Converge recupera su posición en un nuevo disco »PopMatters | Music,Music Reviews,Reviews,converge,epitaph,hardcore punk,heavy metal,metal,metalcore,post-hardcore,post-metal

Converge ha esperado tanto para emitir un comunicado adecuado desde la zona de la explosión que la distancia entre los álbumes ahora parece casi teológica, como si la ausencia misma fuera parte del texto. Lihat juga cxv6. El cuarteto de Salem, Massachusetts (el vocalista Jacob Bannon, el guitarrista Kurt Ballou, el bajista Nate Newton y el baterista Ben Koller) han sido, durante 36 años, administradores de una agresión indeleble, que generalmente deja al oyente marcado por la verdad contundente y púrpura del encuentro.

Aun así, no han lanzado un disco exclusivo de Converge en nueve años. En escenas como la de ellos, el tiempo avanza, aunque Converge, ahora canonizado de una manera que pocos de sus pares, es capaz de quedarse quieto sin perder el espacio. Hay una colaboración en 2021 con Chelsea Wolfe, luna de sangre: yolo cual fue aplaudido, sí, pero considerado por algunos fans como un camino secundario, un desvío silencioso que trajo una leve pero persistente inquietud sobre hacia dónde se dirigía la banda. Han pasado cinco años desde aquellos experimentos atmosféricos y sombríos, y casi una década desde el último documento de la banda, cuatro hombres en una habitación, traduciendo la abrasión en forma.

Si El amor solo no es suficiente No anunció nada, fue un regreso a la arquitectura rígida. No hay niebla conceptual. No hay claroscuros góticos. Lo único que ayudaron a codificar fue gramática contundente. El nuevo disco se remonta a la adolescencia estadounidense, creada en las décadas de 1980 y 1990, cuando los niños absorbían el thrash de Headbangers Ball de MTV y lo combinaban con la música alta que encontraban en las porosas páginas de las películas. Trilladora. Converge es uno de los niños más elocuentes y domina el dialecto del poder híbrido.

Puedes escuchar el pedigrí en todo el nuevo disco si lo escuchas sin que la nostalgia nuble tus oídos: las vibraciones técnicas de Slayer, el temor tectónico de Neurosis, la neblina destripadora de Napalm Death. Esto no es una cita, sino más bien un legado. Sus intenciones viven en las semicorcheas sincronizadas de la guitarra, el bajo y el doble bombo de Koller que caen en el mismo tiempo, tres argumentos resueltos en un solo golpe, menos una técnica que un caos enseñado a mantenerse erguido.

Llamarlos “artistas de la clase trabajadora” transmite un sentimentalismo que sus vidas reales y sudorosas no pueden estar a la altura. Para sostener al grupo, mantienen segundos empleos, terceras obligaciones, carreras paralelas. Nunca confunden el servicio con un plan de jubilación. Entregarse al tipo de invención musical que prefiere la fuerza contundente a la masa estéril es invitar a un vacío lento, que cobra lo que le corresponde a largo plazo y luego, con una calma inquietante, pregunta qué más le queda para dar. El camino puede embotar a una persona y convertirla en hábito o agudizarla hacia la claridad. Este disco suena perfeccionado.

Este álbum llega en un momento en el que el miedo público y la erosión de la democracia ya no se sienten como una situación actual, sino como algo que sucede todos los días. Sentimos que vivimos en una cámara de presión diseñada por nosotros mismos, una historia que se inclina para ver exactamente lo que podemos soportar. El disco no hizo comentarios a la distancia, pero entró al recinto reforzado. Muchas canciones apenas pasan los dos minutos. Se encienden y desaparecen. La banda podría haber explicado más, entreteniéndose en otro verso o puente, pero en lugar de eso hablaron y se retiraron, como si fueran conscientes de que el exceso podría socavar la acusación.

El título de la canción deja clara su tesis: “El amor no es suficiente”. La fe sin obras está muerta; sentir sin acción es indulgencia. Lo que estas canciones piden, sin sermonear, es una combinación de virtudes que a menudo se nos anima a separar. Empatía, pero también ira; gentileza junto al rechazo. Títulos de canciones como “Distract and Divide”, “Bad Faith” y “Gilded Cage” apuntan a sistemas que prosperan gracias a la división, instituciones que prosperan cuando nos confundimos unos a otros con el enemigo.

“Amon Amok” es el tipo de canción que sorprende incluso a los fieles. Aquellos que lleguen a Converge a un ritmo informal pueden llevarse una sorpresa. La pista no galopa, sino que avanza con el paso de un gigante pisando fuerte sobre un campo chamuscado, cada paso se siente en el esternón. El título se remonta al folclore: Amón, el demonio de la vida. La canción parece diagnóstica. Los demonios se han vuelto locos. La canción implica que no hay santuario que no sea tocado por las distorsiones del poder, ningún sistema de creencias inmune a la decadencia. El ritmo se convirtió en un cálculo.

El amor solo no es suficiente cerrando con “We Were Never the Same”, una canción que parece escrita después de un desastre. La letra, compuesta en el estacionamiento de una funeraria, tiene algo casi residual en su relato de conexiones erosionadas, aislamiento confundido con autonomía. No hay ganancias, muchas de ellas están fuera de lugar. Pero la tristeza, dice la banda, puede explicar, puede disipar ilusiones. Si el expediente ha evitado un aire de rencor civil, ese es el coste.

Converge no pretende curar lo que revelan. En cambio, persistieron. Presta mucha atención, parecen decir. Escuche con más atención. El ruido no es una vía de escape del mundo sino una forma de afrontarlo. Una vez confrontada, la carga cambia. Decide lo que harás.