El pobre Willy Loman intenta una vez más convencer a sus pobres hijos de que cuando se trata de vender, la reputación lo es todo. Tenía razón, por supuesto: la cuarta reposición de Broadway de “Death of a Salesman” en 25 años llenó el cavernoso Winter Garden Theatre de reputaciones estelares, al menos dos de las cuales parecían diametralmente opuestas.
La mayoría de la gente de la calle probablemente sepa que la tragedia de Arthur Miller de 1949 es un drama serio sobre el sueño americano. Y podrían considerar a Nathan Lane, la marquesina de la producción, como un jamón certificado de extraordinaria sofisticación, a menudo sereno, con una ceja levantada como si estuviera listo para una réplica humorística.
Hay momentos, en la gran y sobria producción del director Joe Mantello, ambientada en una especie de purgatorio de garaje, en los que la personalidad cómica innata de Lane proyecta una sombra resonante. (El decorado es de Chloe Lamford, los faros perforan el escape del auto son de Jack Knowles.) Willy se lamenta ante su valiente e ingrata esposa, Linda (Laurie Metcalf, manteniendo su reputación como MVP de Broadway), que los compradores en la calle se están riendo de él, quienes incluso lo llaman camarón.
El vendedor ambulante de Miller aquí es como un payaso triste al que se le acaba la gasolina. Pero al igual que el hermoso Chevy color borgoña que se detiene por completo en el escenario (uno de varios anacronismos extraños), Lane carece de la impresión de ser un caballo de batalla. Es innegable que tiene talento y capacidad en el papel: gentil, fuerte y conectada con el texto. Pero su cortesía natural es difícil de negar. Esto funcionó a su favor por su papel ganador del Tony como el monstruoso Roy Cohn en “Angels in America”, pero comprarlo como algo no negociable fue una tensión para su imaginación.
Es bueno que la acción se desarrolle en parte en la mente de Willy, mientras regresa a la adolescencia de sus ahora descarriados hijos, reflexionando sobre qué salió mal. En el presente, Ben Ahlers (de “The Gilded Age”) es Happy, una persona simpática convertida en un suave mujeriego que enfurece a Ahlers con destellos de travesura inocente. Pero la tensión entre Willy y Biff, el chico de oro que no logra lanzarse, pretende ser el motor del drama y, en cambio, se queda atrás. Biff de Christopher Abbott no parece tan decepcionado de sí mismo y de su padre como suele estarlo en el mar.
Esto puede tener algo que ver con el tratamiento de la masculinidad en la producción. Hay rarezas en la visión de Mantello, incluida una confusión de las asociaciones de género que comienza desde el principio y se extiende por todo el mundo, lo que finalmente agota el potencial del drama. Los hombres se ablandan o erotizan y su capacidad de amenazar disminuye. Los fanáticos de Ahlers estarán felices de saber que pasó la mayor parte de la primera mitad sin camisa. Inspirándose en los primeros borradores del guión, las versiones infantiles de Biff y Happy fueron interpretadas por actores jóvenes (Joaquin Consuelos y Jake Termine, respectivamente), y el joven Biff aparecía con mayor frecuencia con una camiseta de fútbol con un abdomen de un catálogo de Abercrombie.
Cuando encontramos a Willy haciendo trampa en habitaciones de motel baratos o amenazando a su esposa, parece celoso y patético. Lane ofrece un vistazo del orgullo y el resentimiento que siente Willy por haber fallado en su propia idea de lo que debería ser un hombre. El momento en el que el Biff adulto casi levanta la mano sobre su padre pretende ser un acontecimiento impactante, pero hay poca evidencia de que Willy gobierne a su familia con firmeza. La elección de actores abiertamente homosexuales (K. Todd Freeman y Michael Benjamin Washington) como el padre y el hijo vecinos con quienes Willy mide su éxito también parece estar en sintonía con visiones de una masculinidad débil. (Curiosamente, el casting tiene en cuenta la raza; cuando Willy se niega a trabajar para su amigo por principio, parece ser porque es negro).
El ancla en todo esto es Metcalf, quien es característicamente apta y desgarradora como Linda, ferozmente leal y oprimida, un recordatorio de lo que está en juego cada vez que está en el escenario, y no solo porque ella es la que hace los cálculos. La desesperación de envejecer mientras se frotan dos monedas se vuelve real cuando él está cerca, lo cual es esencial para que la montaña rusa de esperanza y derrota dé su golpe emocional. Vale la pena ver su ascenso solo por su apariencia.
Otra reputación que se cierne sobre Winter Garden pertenece al ex megaproductor Scott Rudin, quien esta temporada intenta regresar a Broadway después de que las acusaciones de acoso laboral lo llevaron a una pausa de varios años. Después de la aclamada producción de este otoño, también dirigida por Mantello y protagonizada por Metcalf, de la nueva obra “Little Bear Ridge Road”, que cerró temprano, lo que está en juego es aún mayor.
Hay una ironía humorística en una colosal producción comercial que espera obtener enormes ganancias por el privilegio de ver una crítica al capitalismo. Además, las acusaciones pueden parecer ahora extrañas. Por ejemplo, no hay necesidad de convertir al joven jefe de Loman (John Drea) en un tipo engreído y tecnológico (sin calcetines, con chaleco y sosteniendo una taza de café para llevar) para transmitir la realidad de que vivimos a merced de un puñado de personas impecablemente ricas.
La mayoría de nosotros no necesitamos esos recordatorios.
