Hay una razón por la cual “Doomsday” de Lizzy McAlpine ahora vive en las mentes de los fanáticos de “School Spirits” como un fantasma que ronda los pasillos de Split River High School. Para Whitney Pilzer, la supervisora musical detrás de la serie de misterio sobrenatural de Paramount+ desde su primera temporada, esos momentos no están escenificados.
«Era tan imposible de predecir», dice Pilzer sobre la resonancia viral de la canción después de que marcó una de las secuencias más memorables de la temporada 1: Maddie siendo empujada al purgatorio por el fantasma de Janet. «Pero todos sabíamos que ‘Doomsday’ era especial. Especialmente la forma en que nuestro editor musical, Todd, lo cortó. Aterrizó perfectamente».
Ese instinto estuvo arraigado desde el principio. En su primera reunión con los presentadores Nate y Megan, Pilzer dijo que estaba claro que la música no sería una ocurrencia tardía. «Fueron muy sinceros acerca de cómo amaban la música», dijo. «Comenzamos a buscar artistas que nos gustaran y ellos compartían enormes listas de reproducción de Spotify que habían creado mientras escribían, canciones que los inspiraron. Teníamos gustos muy similares». Desde esa primera conversación, supo que el espectáculo sería diferente. «Sabía que esta era una oportunidad increíble para la expresión creativa».
Tres temporadas después, “School Spirits” se ha convertido silenciosamente en uno de los programas de streaming más ambiciosos musicalmente. La serie Paramount+, que sigue a un grupo de fantasmas atrapados en el purgatorio de su escuela secundaria, utiliza su premisa (personajes vinculados a diferentes décadas) como motor narrativo y musical. El resultado es una banda sonora que abarca épocas sin parecer una máquina de discos, respaldada por un elenco rotativo de artistas cuyas voces se han convertido en parte de la identidad del programa. «Esa es una de las cosas más gratificantes de ser supervisor musical: conseguir ese puesto crucial para un artista», dice. Variación. «Es una experiencia realmente genial».
En ninguna parte es más evidente el enfoque específico de la época que en el episodio 4 de la temporada 3, cuando los fantasmas se duchan y giran en un baile psicodélico completo al ritmo de «Chicago» de Sufjan Stevens, una secuencia construida alrededor del arco de autodescubrimiento de Quinn. Inicialmente, el equipo exploró canciones de los años 60 y 70 antes de que Pilzer y los showrunners, que estaban todos en la escuela secundaria al mismo tiempo que el personaje de Quinn, alrededor de 2004, se dieran cuenta de que una elección más personal era la elección correcta. «Chicago es la canción del futuro para todos nosotros en la vida real», dijo Pilzer. «Usarlo en el viaje de autodescubrimiento de Quinn fue realmente mágico».
Sin embargo, para llegar allí se requiere un proceso que comienza mucho antes de lo que la mayoría de la gente cree. Pilzer fue una de las primeras y últimas personas involucradas desde el momento en que llegó el guión hasta la entrega final. Incluso antes de leer el guión de la tercera temporada, ya había preparado una gran cantidad de música previamente limpiada, organizada por nivel de presupuesto, para que los editores pudieran elegir a medida que surgían los primeros cortes.
El presupuesto, francamente, es un factor real. «Teníamos limitaciones presupuestarias, así que acudía a sellos y editores y les decía que necesitaba una colección de música en estos tres niveles para poder ser realmente estratégicos», dice. Cuando una canción queda fuera del rango alcanzable, el equipo trabajará en otras ubicaciones en el episodio para que las matemáticas funcionen, una negociación que se desarrolla hasta la mezcla final. «Durante mucho tiempo pareció un gran rompecabezas», dijo.
A veces, los acertijos resultan en accidentes felices. Pilzer incluyó “Concoction” de Djo en uno de los recuadros de sus editores en gran parte por entusiasmo personal: lo había escuchado muchas veces. Cuando lo vio emerger orgánicamente en un montaje de borradores colocados subrepticiamente por un editor, se emocionó. «Escuché esa canción una y otra vez, así que estaba muy emocionado», dijo. La versión de K.Flay de “Brain Stew”, utilizada en un montaje largo y sereno de Maddie mirando fotografías antiguas en su salón de clases, es una batalla más cuesta arriba. “Sabíamos que sería costoso, pero lo solucionamos para poder mantenerlo funcionando”, dijo Pilzer.
En un momento de cruce de Wally en el Episodio 7, el equipo exploró casi 80 opciones (en un momento consideró una pista de los 80 para reflejar la era de Wally) antes de discutir los «deseos lo mejor» de Joy Oladokun y Jensen McRae. «La música se utiliza a menudo para corregir malas actuaciones», dice claramente Pilzer. «Pero no tenemos que hacer eso en nuestro programa. El programa es increíble. La música es capaz de respaldar lo que ya está allí».
Es un sentimiento compartido a lo largo de toda la producción hasta el elenco también. Sarah Yarkin, quien interpreta a Rhonda, ayudó a encontrar la canción utilizada en el tan esperado primer beso de Rhonda y Quinn después de que el equipo pasó por innumerables opciones. Cuando Miles Elliot, quien interpreta a Yuri, preguntó en el set si podían usar una canción de un artista importante, Pilzer tuvo que explicar amablemente los aspectos económicos. «Pensé: ‘Está bien, si puedes gastar 100.000′», se ríe.
McAlpine, cuya música ha aparecido en todas las temporadas, regresa esta temporada en una forma completamente diferente. La cantautora fue incluida en el guión para interpretar un arreglo inspirado en Joan Baez de “House of the Rising Sun”, su primera actuación frente a la cámara, después de que la producción supiera que ella consideraba que la ubicación de “Doomsday” era uno de sus usos musicales favoritos. Grabó sus propios arreglos para el programa. «Fue muy profesional. Fue muy impresionante», dijo Pilzer.
El uso repetido de artistas como McAlpine, Ethel Cain, Djo, Rachel Chinouriri y otros a lo largo de las temporadas es intencional. Pilzer vio que se trataba menos de coherencia de marca y más de verdadera construcción del mundo, una forma de darle al programa una voz tan reconocible como su escenario. «Sus voces se han convertido en parte del tejido del espectáculo», dijo. «La música da forma a los mundos de nuestros personajes, en lugar de simplemente subrayar sus emociones. La música es un personaje en sí misma».
Para un programa construido alrededor de personajes que no pueden seguir adelante, la música tiene la sorprendente costumbre de persistir mucho después de que aparecen los créditos.
